Comic de Rick Remender, André Lima Araujo et Chris O’Halloran.
Urban(2023) – Image (2021), 128, 2/2 tomes parus.
Rick Remender alterne quelques séries au long court et de réguliers diptyques qui visent la récréation (Death or glory) ou le no limite (Tokyo ghost). En nous laissant dans une sidération sadique à la fin de premier tome il créait une grosse attente pour cette suite et fin qui ne va pas finir de vous troubler. De par sa construction d’abord. En relisant le premier tome après les révélations finales on saisis les très discrètes allusions aux antagonistes et à la source de l’intrigue. Pourtant si le premier tome était assez contemplatif en mixant sublimes exercices techniques urbains d’Araujo et explosions de violence dignes d’un Reservoir Dogs voir d’un Elie Roth (le terrifiant personnage en couverture est là pour nous rappeler que nous ne sommes pas dans une histoire pour fillettes), ce tome de conclusion va se faire un malin plaisir à hacher le temps en poursuivant le principe qui a vu tuer la mère du jeune Xavier: dans la vraie vie on meurt souvent et souvent comme un con…
L’intrigue reprend après un temps indéterminé où Sonny et son jeune protégé devenu mutique suite au traumatisme vécu sont accueillis dans une sorte de camp de survivalistes écolo. Très vite on nous explique qui est ce mystérieux anti-héros et l’on tisse un lien émotionnel avec le garçon pour créer d’autant plus de tension dramatique lorsque les bad guys entreront en action. Car comme dans tout bon thriller réaliste les abominables psychopathes qui servent de méchants sont partout, dotés de moyens sans limite et seuls les nombreux deus ex machina et la chance insolente du héros parviendra à en venir à bout. Comme sur Death or Glory auquel il emprunte la folie totale des tueurs et l’ignominie infinie du grand manitou, on nage dans un cloaque indicible de la lie humaine sur lequel la moindre once d’humanité paraît un paradis. Je parlais de hachures car si le premier tome se déroulait sur quelques heures le second se prolonge sur plusieurs années en plusieurs parties, ouvrant un récit bien plus vaste que l’ouverture qui n’est au final qu’une très grosse bande annonce.
Dans une maîtrise totale des codes narratifs, sachant où il veut aller et quelles émotions il veut provoquer, Rick Remender nous balance une nouvelle orgie nihiliste idéalement supplée par la froide rigueur de son dessinateur dont on va guetter de très très près les prochaines créations tant il impressionne. Formaté pour une adaptation ciné rêche pour laquelle Benedict Wong ne pourrait que récupérer son visage prêté pour l’occasion, Une soif légitime de vengeance n’a pas fini de vous surprendre et de vous choquer, à un soupçon d’assumer une bad ending avec laquelle flirte toujours ce formidable scénariste.
Merci aux éditions Ki-oon pour leur confiance.
En datant son récit au XV° siècles l’auteur vise surtout à aborder la prééminence de la répression inquisitoriale sur les évolutions de la connaissance, puisque la révolution héliocentrique n’apparaît véritablement qu’avec Copernic au XVI° siècle. C’est ce qui est passionnant dans ce manga puisque dès la mise en place on nous fait comprendre la complexité des parcours dans cette société corsetée: de l’inquisiteur issu du monde laïque des mercenaires au jeune élève passionné de théologie on comprend que les stratégies des scientifiques ont dû jouer de la dualité, du mensonge, de la soumission au modèle de pensée de l’Eglise. En se rangeant sous le couvert de la raison et de la foi ,es scientifiques purent faire doucement avancer la connaissance scientifique contre la vue conservatrice qui niait tout raisonnement face aux préceptes de l’Eglise.
Si Abara sort avant Biomega (chronologiquement plus ancien) c’est notamment parce qu’il s’inscrit dans une évolution de l’auteur vers des manga plus construits, moins conceptuels et plus accessibles, à mesure que son trait se simplifiera pour aller vers une esthétique éthérée à la Miyazaki (le manga Nausicaa) sur sa 
Nihei est le premier conscient de ses faiblesses de jeunesse puisqu’il confesse sa propre incompréhension à la lecture de certaines pages où il ne se souvient pas ce qu’il a voulu dire… Avec son format court et sa fin plutôt acceptable, Abara apparaît ainsi comme une consolidation des obsessions graphiques et thématiques de l’auteur qui progresse indéniablement depuis Blame! Les architectures sont moins démentes que précédemment mais plus construites, l’action est bien plus lisible, les personnages BEAUCOUP plus solidement dessinés, en évacuant les trames pour du dessin uniquement encré à l’européenne. Si Blame était un brouillon, Abara ressemble à un premier jet fascinant et graphiquement absolument brillant dans ses designs biomécaniques et ses idées SF. On a par moment le sentiment de lire une short-story du magazine Metal Hurlant en espérant aboutir ensuite à l’œuvre maitresse de Nihei… Auteur étonnant à la régularité remarquable, Tsutomu Nihei a alterné séries courtes (Biomega et Aposimz, 6 tomes) et plus longues (Blame, 10 tomes, Knights of sidonia, 15 tomes) en allant vers du manga plus classique dans sa seconde période. Un univers unique pour lequel Abara me semble être une excellente porte d’entrée, en attendant la suite.
Comme à leur habitude les éditions Ki-oon ont mis le paquet sur une licence en laquelle elles croient, avec un kit presse tout à fait impressionnant. Une maison qui a habituellement du flaire pour dénicher bon nombre de pépites et qui me semble pour le coup s’être aventurée sur un terrain hasardeux tant cette ouverture fait patchwork sans bien savoir à quoi on a affaire. Débutant sous une trame historique classique le manga prend rapidement des allures de Dark fantasy (avec son lot de sang, de déformations et d’un soupçon de fesses) où contrairement à l’autre série chroniquée en début de semaine l’équilibre entre développement d’univers et baston n’est pas très bon. Avec un style graphique solide qui rappelle Kakizaki, l’auteur envoie son héros affronter tout un tas de créatures et personnages sans prendre le temps de la lisibilité. On en ressort un peu frustré et à moins que les planches ne vous accrochent, un peu fatigué par cette ouverture qui ne donne pas suffisamment de raison de poursuivre. Une assez franche déception.
Je reconnais que mettre 2 Calvin avec un artiste de la qualité de Dan Mora fait beaucoup hésiter. Est-ce bien raisonnable? Pourtant on m’accordera que l’absence de décors finit, une fois basculé entièrement dans l’Outremonde, par devenir gros et les effets visuels font également saturer un peu. Depuis le début de la série l’alternance d’humour, d’action débridée, d’irruptions gores en laissant les atermoiements d’Arthur ( il faut le dire assez ridicules) en pouce-café permettaient de garder un rythme accrocheur. Le fait de sortir du monde réel nous plonge dans un grand vide assez inintéressant, où le temps n’a plus lieu, où les baston sont coupées aussitôt commencées et où ne restent pratiquement plus pour nous tenir hors de l’eau que les fight super-héroïques des chevaliers à la mode Gillen. En passant dans l’Outremonde les auteurs perdent clairement l’équilibre de leur série en étant réduits à faire surgir épisodiquement un nouveau personnage de la littérature anglo-saxonne, qui Shakespear par ici, qui Robin Hood par là, sans oublier une Gorgone. Face à ces démons les héros sont bien peu de choses et se contentent de courir… Tout ça sent de plus en plus le gloubi-boulga et l’érudition certaine du scénariste ne justifie pas d’oublier son objectif.
Très grosse déception donc pour ce volume d’une série qui avait su effacer ses quelques défauts sous une immense sympathie et un sens du fun évident. A croire que Gillen a laissé les manettes à un assistant. Espérons qu’il ne s’agit là que d’un accident et qu’un cinquième tome viendra conclure en feu d’artifice une série qui ne méritait pas ça.
Merci aux éditions Delcourt pour leur confiance
Avec une sortie rapprochée de trois albums en deux ans on est totalement dans le rythme de série en mode bing-watching et la construction millimétrée de Serge Lehman colle parfaitement avec ce format: galerie de personnages hauts en couleur (ou en perversions), explosions de violence crue, sexe poisseux et dialogues percutants, on a tout ce qu’il faut pour rester addict aux mésaventures des frères Sangaré dans ce bas-fonds qu’est Saint-Elme. Utilisant savamment le hors-champ, les auteurs préparent l’arrivée du redoutable patriarche mafieux alors que le limier de la fratrie de détectives a enfin débarqué. Avec sa gueule sans pupille et son allure robotique, il ajoute une couche d’étrange alors que le scenario se positionne enfin sur le caractère anormal des évènements surnaturels auxquels on a assisté jusqu’ici.
Merci aux éditions Urban pour leur confiance.
J’avais remarqué la précision du portugais André Lima Araujo sur l’étonnant 
Dans ce genre d’histoire c’est le rythme et le choc de l’action qui importent et sur ces points le maître du scénario indé fait une nouvelle fois mouche en jouant avec son lecteur. Certains seront frustrés par la brièveté de l’intrigue (qui se conclut donc à la moitié de l’histoire sans que l’on ne sache encore grand chose), mais comme pour le récent 
Et subit les mêmes conséquences que sur une première incursion dans un album de la Justice League ou des X-men: l’impression d’arriver justement après trente ans d’une trame continue pleine de personnages et de rebondissements. Vous voilà donc prévenu, contrairement à ce que laisse entendre l’auteur dans sa préface, King Spawn, qui ambitionne « d’ouvrir comme jamais l’univers de Spawn » n’est pas vraiment une porte d’entrée. Soyons juste: si la méconnaissance des personnages, de l’histoire du personnage et du contexte de 2022 compliquent la lecture, la narration se veut suffisamment linéaire et fluide pour permettre à un nouveau venu d’en profiter, notamment graphiquement.
Si la crudité du thème et du traitement impactent, on n’évite pourtant pas l’effet références et quelques codes du comics qui banalisent par moment l’ambition. Ainsi à la volonté de croiser ses séries et personnages, MacFarlane recrée une sorte de Bat-family à laquelle il ne manquerait plus que le Spawn-chien. Passons. Les références il y en a donc (on pense à Punisher, 
Etrangement ce sont les séquences avec le super-héros qui sont les plus banales du fait de cette immortalité et cette imprécision sur les capacités du personnages qui aime à défourailler armé de grosses pétoires quand il ne lance pas sa cape-symbiote tel un Venom. Lorsque Al Simmons reprend forme humaine on s’intéresse à ce monde peuplé de terroristes et d’agences gouvernementales obscures et au Grand Jeu entre armées infernales et Anges bloqués sur Terre après que Spawn ait semble t’il fermé les passages des âmes vers le haut et vers le bas.
On ne pourra en effet rien reprocher au dessinateur canadien qui s’il a tendance à rechercher la simplification des dessins, n’en explose pas moins de talent à chaque fois qu’il sort du pure illustratif. L’enchaînement des séquences reste lisible et les moments d’action plutôt fun. La tâche n’était pourtant pas facilitée par un scénario qui semble vouloir se concentrer tout le long sur la petite histoire, celle des sorciers en jogging et des problèmes de couple, comme si Mark Millar avait voulu faire, plus encore que sur le premier, un néo-polar londonien à la sauce Avada Kédavra… Peu de moments épiques à se mettre sous les yeux donc.
Il ressort de ce très attendu album un sentiment de gros gâchis qui fait hésiter entre le conserver pour les planches ou s’en séparer devant une telle incurie. Si l’on fait le compte le Magic Order #1 est le dernier vraiment bon album de Millar (en sauvant 
L'étagère imaginaire 