Kosmos

BD de Pat Perna et Fabien Bedouel

Delcourt (2021), 210p., one-shot.

Merci aux éditions Delcourt pour leur confiance.

Le 20 juillet 1969 Neil Armstrong descend de l’échelle du LEM et pose le premier pied humain sur la Lune. Quelques mètres plus loin son regard se fige sur un drapeau… soviétique!

Quel album et quel plaisir de retrouver un duo d’auteurs qui nous comblent à chacun de leurs projets! Si le délirant Valhalla Hotel sorti cette année concourt immédiatement au titre de meilleure série de l’année, c’est également le cas de cet étonnant album aux noirs profonds (qui ont dû entraîner une pénurie d’encre…) qui rappelle le choix esthétique du Forçats qu’ils avaient sorti il y a quelques temps et qui jouait aussi sur une actualité historique et un jeu des Nations dans le dévoilement de la vérité.

Ici, sur la base d’une uchronie (les soviétiques ont posé le pied sur la Lune juste avant les américains), Perna et Bedouel déroulent d’abord un thriller technologique et spatial dans la veine du mythique film Apollo 13 où l’on savoure le plaisir d’une immersion dans la sphère soviétique qui nous rappelle combien nous sommes formatés par le storytelling américain depuis soixante-dix ans. S’intercalent ensuite des entretiens face caméra avec des personnages qui tisseront progressivement un doute quand à la réalité de ce que l’on voit. Dans l’espace personne ne vous entend crier et sans images personnes ne peut confirmer laquelle des deux puissances a aluni la première, dans un jeu de communication où la vérité est le dernier élément à entrer en compte. La crédibilité du propos est passionnante et si nombre de thèses conspirationnistes ont ces dernières décennies remis en cause l’alunissage américain, qui peut vraiment contester la possibilité que des missions soviétiques échouées aient été tues? Le glacis propagandiste de la Russie était absolument capable de sacrifier des hommes et femmes, comme la NASA a probablement perdu des cosmonautes sur la durée de ses programmes. En la matière l’affaire Apollo 13, si elle a été miraculeuse, rappelle que les expéditions extra-terrestres n’ont jamais été sans risque.

A la fin de la lecture on réalise en effet que les images américaines, si elles ont été diffusées en directe n’étaient pas moins de la propagande dans la Guerre froide et que des séquences audio ou vidéo auraient tout à fait pu être escamotées, comme des évènements lunaires que ces soldats auraient eu pour ordre de taire. La force du scénario de Pat Perna (journaliste au départ, rappelons-le) est d’instiller le doute par l’information, sans prendre parti et sans risque de se voir taxer de conspirationniste (point Godwin de plus en plus fréquent par les temps qui courent…). Ce livre est une fiction uchronique, crédible. Le fait d’insérer un discours méta en fin d’album vient élargir l’effet « et si? » et le lecteur est bien obligé d’admettre que sauf à étudier l’histoire scientifique de la conquête lunaire on est bien démuni pour trier entre propagande russe et américaine. En somme on nous raconte bien ce qu’on veut nous raconter… hier comme aujourd’hui. Et vient en raisonnance la phrase insérée en incipit:

La pédagogie du soupçon est toujours nécessaire. Aujourd’hui, les images ne sont plus un moyen de représentation mais sont notre mémoire, notre imaginaire, notre inconscient. Celui qui veut contrôler les esprits doit contrôler les images.

20th century boys #11-22

Manga de Naoki Urasawa

Panini (2002-2007), 208 p./volume, série finie en 22 volumes.

L’édition chroniquée dans cette série de billets est la première édition Panini. Une édition collector (avec albums doubles) a ensuite été publiée puis récemment la Perfect, grand format et papier glacé, au format double également. Le billet sur le premier volume est ici.

Attention spoilers!

Pour ce dernier billet en mode marathon sur la seconde moitié de la série, je vais faire un petit décorticage de la structure. Après une sorte de prologue originel et fondamental pour poser l’ambiance de cette bande de garçons par qui tout à commencé (cinq premiers tomes), l’histoire commence vraiment avec Kanna, la nièce de Kenji, dix ans après le Grand bain de sang de l’an deux-mille, pendant dix tomes. Le tome quinze marque une nouvelle rupture essentielle et le début d’un nouvel arc en élargissant franchement le périmètre de la conspiration et en rappelant pas mal de personnages vus très tôt. On peut ainsi dire que le cœur de la série commence à ce stade, concentrée, moins erratique maintenant que l’on connait les protagonistes et les perspectives de AMI et son organisation.

Et après cette lecture échevelée de ce qui a tous les atours d’une série TV, je reconnais que l’auteur a eu du mal à conclure son grand oeuvre… C’est du reste le problème de la quasi-totalité des grandes saga chorales et déstructurées qui à force de vouloir surprendre leur lecteur/spectateur finissent par s’enfermer dans un cercle infini. Comme Game of Thrones qui a noyé son auteur avant sa conclusion (pour le roman), à force de cliffhangers permanents et de croisements d’intrigues à la révélation sans cesse repousser, Urasawa ne savait plus trop bien comment achever son récit après la dernière pirouette du tome quinze. Conscient du risque de redite, l’auteur troque son grand méchant énigmatique AMI pour le retour du héros. Et autant que la renaissance christique d’AMI, le choc est là, tant l’attente a été longue, l’incertitude permanente et l’effet recherché parfaitement réussi. Pourtant les très nombreuses portes ouvertes et mystères créés nécessitent d’être refermés, ce qui devient compliqué à moins de changer complètement de rythme et de structure au risque de tomber dans quelque chose de plus manichéen.

Ainsi la dernière séquence post-apocalyptique, si elle reste saisissante notamment en ces temps de COVID et de perméabilité des foules à toute sorte de croyance avec une sorte d’abolition du raisonnement humain, elle est bien moins prenante avec le sentiment de partir tous azimuts et de continuer à maintenir un suspens qui demande à se finir. Comme une prolongation de trop, comme un épisode superflu, le cycle situé entre les tomes seize et vingt-deux tourne un peu en boucle. Ce n’est pas faute de sujets accrocheurs, le rassemblement de la bande à Kenji, esquissé jusqu’ici, est une bonne idée de même que l’itinéraire autour de la mère de Kanna. Si la question de l’identité d’AMI fait un peu réchauffé, Urasawa a suffisamment de bons personnages, qui ont vieilli et donc plein de choses à nous raconter, pour tenir jusqu’à la fin. Mais certains effets de style commencent à peser, comme cette technologie faire de bric et de broc et ces forces de sécurité bien piteuses pour un Gouvernement du monde aux ressources théoriquement infinies. Quelques incohérences commencent également à se voir et la course effrénée des héros vers on ne sait quoi tout comme la lenteur avec laquelle Kenji finit par endosser son rôle finissent par lasser.

Attention, 20th century boys reste une oeuvre d’exception qui mérite la lecture ne serait-ce que pour le talent de scénariste indéniable de Naoki Urasawa. Malheureusement la série semble une nouvelle fois confirmer le fait que les plus grandes œuvres sont relativement compactes et à l’intrigue simple. Sorte de concept scénaristique employant toutes les techniques d’addiction du spectateur mises en place par les séries américaines à l’orée des années 2000 (l’époque de Lost, The Wire, Breaking Bad, The Shield, 24H chrono ou Prison Break…), 20th century boys marque par l’amour de l’auteur pour ses personnages, le refus du grand spectacle et l’utilisation (parfois abusive) des points de suspension. Niveau efficacité c’est impérial, on dévore les 2/3 de la saga avec envie et autant de plaisir de retrouver tel personnage trente ans après. Le second arc est pour moi le meilleur et aurait pu être une conclusion (noire) très acceptable même si il aurait laissé bien des portes ouvertes. En assumant la vraie disparition de Kenji il aurait assumé jusqu’au bout le concept tout à fait original d’histoire sans héros et du rôle du mythe. Balayant un nombre incalculable de sujets de société avec courage et parfois une certaine rage, Urasawa livre une oeuvre de SF presque Kdickienne, du Philip K. Dick réalisé par Wong Kar Wai, plein de nostalgie pour une belle époque de simplicité, de franchise et de Rock’n roll. Son propos dès l’an 2000 sur la manipulation des foules est particulièrement percutant aujourd’hui et l’on se dit par moment que la réalité a rattrapé la fiction lorsque l’on voit le pilotage au forceps d’une pandémie par des gouvernements qui s’assoient sur certains principes et des foules prêtent à tout accepter par peur et panurgisme. Si sa saga est donc imparfaite, Naoki Urasawa reste un grand bonhomme, un des mangaka les plus intéressants et sa dernière création encours laisse une sacrée envie lorsque l’on voit la maturation de son trait comme de son récit.

Punk Rock Jesus

Comic de Sean Murphy

Urban (2020) – Vertigo (2012), One-shot.

Cette édition est la troisième publiée en France (toujours chez Urban), après une première couverture couleur « punk », la précédente édition reliée très proche et enfin cette dernière intégrée au désormais célèbre Black Label de DC. Le volume comprend un édito de l’équipe éditoriale Urban clamant l’importance de ce titre et le choc qu’il leur a procuré. Viennent ensuite un sommaire des six chapitres et en fin d’ouvrage une post-face de Sean Murphy expliquant le lien entre ce projet et sa relation à la foi, une sélection de titres punk à écouter en lisant les parties, les covers originales de l’édition américaine et trois pages d’illustrations promotionnelles ou non retenues. Fabrication élégante dans le canon Urban mais rien d’exceptionnel en matière de bonus.

Dans un futur proche, alors que le réchauffement climatique provoque des dégâts sur la planète, une société de production lance un projet de téléréalité fou: suivre un clone de Jésus-Christ à partir de sa naissance… Dans une Amérique droguée au spectacle et au fondamentalisme chrétien le show faut fureur. Mais humainement l’équipe qui entoure la mère porteuse et l’enfant vont rapidement vivre un enfer…

Sean Murphy est l’un des auteurs américains les plus en vue, notamment depuis la sortie de son désormais mythique Batman White knight, locomotive du Black Label et des albums DC adultes. Non moins célèbre, cet album constitue sa troisième réalisation solo après le touchant Joe, l’aventure intérieure et Off road. Si graphiquement il n’est pas le plus impressionnant des trois et que son trait reste moins percutant que sur ses dernières réalisations, il marque un tournant et l’apparition d’un univers artistique marqué par la haine des extrémismes, de l’hypercapitalisme et une radicalité tant dans le trait que dans le propos. Par la suite Murphy collaborera avec les plus célèbres scénaristes de l’industrie comics, dont Scott Snyder sur The Wake (où il commence sa collaboration très fructueuse avec son coloriste désormais attitré Matt Hollingsworth), Mark Millar sur les Chrononautes, ou Rick Remender sur son coup de poing Tokyo Ghost qui reprend pas mal de thèmes de PRJ.

Réalisé intégralement en noir et blanc avec l’utilisation assez massive de trames (qui affadissent le dessin comme à peu près partout), PRJ propose une narration qui suit vaguement la vie du Christ, mais surtout une évolution narrative classique proposant exposition, crise et résolution. L’originalité de l’histoire est, outre de présenter ce touchant enfant clone enfermé dans une prison qui le formate pour les besoins du show et dont la crise d’adolescence va prendre la tournure de la scène punk, de croiser son destin avec le colosse Thomas, responsable de sa sécurité et ancien tueur de l’IRA traumatisé et touché par la foi. Très vite l’auteur sort la grosse artillerie (non pas graphique, il y a assez peu d’action dans Punk Rock Jesus) en dézinguant son pays pétri d’intégrisme chrétien autant que consumériste. Si l’on n’est pas aussi loin que dans Tokyo Ghost, l’Amérique de Georges Bush jr. en prend pour son grade. Murphy n’hésite pas à balancer en citant des noms. C’est ce qui fait sa marque, une sincérité toute punk qui donne une vérité et une énergie folle à l’ouvrage. Si vous connaissez les autres albums plus récents de l’auteur vous retrouverez des personnages graphiquement très proches et plein de tics graphiques. On est en terrain connu avec une homogénéité que personnellement j’aime beaucoup.

Séparé en deux parties contraintes par la progression temporelles de l’histoire, l’album se concentre au début sur la mère, pauvre fille catholique tout à fait représentative des innombrables victimes des TV show américains dont la vie a été détruite par cette artificialité totale créée pour les besoins du spectacle. Dépressive, sombrant dans l’alcoolisme et victime de l’impitoyable (et méchant très réussi) producteur, elle cherche l’alliance des employés de la société de production pour s’échapper avec une mauvaise conscience de mauvaise mère. On enchaîne dans la seconde partie sur le clone alors que les mésaventures de sa mère vont déclencher une rage en lui, synonyme de croisade contre tout ce qui l’a créé… Le liant entre ces deux parties est tissé par les personnages secondaires, presque plus intéressants que le faux Jesus, avec notamment la scientifique prix Nobel enfermée entre son conflit moral de collaboration à un projet qu’elle abhorre et sa volonté de trouver une solution au réchauffement climatique, mais également le colosse qu’adore croquer Murphy, dont on soupçonne les origines irlandaises patronymiques…

Malgré de légères déceptions dans la réalisation des scènes d’action un peu molles et une difficulté à traiter de façon satisfaisante les très nombreux (et passionnants) thèmes abordés dans l’album, l’aspect personnel que revêt PRJ pour Sean Murphy apporte un supplément d’âme qui le hisse parmi les tout meilleurs ouvrages de comics indé US. Sorte d’album fondateur et de jeunesse (Murphy a trente deux ans quand l’album sort), Punk Rock Jesus marque par la sincérité de son propos, par la créativité graphique d’un très grand artiste et la maîtrise scénaristique de l’auteur qui va ensuite peaufiner sa technique d’écriture auprès des plus grands avant d’accoucher de son chef d’œuvre. A découvrir!

20th century boys #6-10

Manga de Naoki Urasawa

Panini (2002-2007), 208 p./volume, série finie en 22 volumes.

L’édition chroniquée dans cette série de billets est la première édition Panini. Une édition collector (avec albums doubles) a ensuite été publiée puis récemment la Perfect, grand format et papier glacé, au format double également. Le billet sur le premier volume est ici.

Attention spoilers!

Après le « bain de sang de l’an deux-mille » une nouvelle société s’est installée au Japon, dirigée par un AMI qui nous veut du bien… Alors que la bande de Kenji a disparu, c’est une société totalitaire que contestent certaines personnes, à commencer par Kanna, désormais adolescente et en adoration devant la mémoire de son oncle Kenji. A bas bruit, la domination sans partage d’AMI n’est pourtant pas si inéluctable…

Quel maelstrom mes aïeux! Si vous croyiez que le saut de quatorze ans était une rupture, il ne marque aucunement une temporisation puisque l’auteur enchaîne sans cesse sur de nouveaux personnages et de nouvelles séquences toujours liées les unes aux autres indirectement. Alors que nous découvrons enfin ce qui s’est passé le 31 décembre 2000, on apprend qu’une sorte de résistance discrète s’est mise en place avec les survivants de la purge d’AMI…

Devant un tel tourbillon de personnages, de thématiques et de retournements on se demande tout le temps si l’auteur sait où il va ou s’il trace son chemin au doigt mouillé… Bien entendu il retombe toujours sur ses pattes et on savoure à chaque instant d’être ainsi malmené avec un petit plaisir masochiste. Après quelques intermèdes qui permettent de se faire plaisir sur un plan d’évasion carcérale type L’évadé d’Alcatraz ou sur une maison hantée, cet amoureux de cinéma (en plus du rock et des 60’s… un vrai garçon du vingtième siècle!) qu’est Urasawa confirme que le personnage principal (pour l’instant) est Kanna. Du coup, en nous rappelant avec la régularité d’un métronome combien on est en deuil de Kenji, l’auteur installe un peu plus ce contexte confirmé de régime totalitaire contre lequel ce qui ressemble à une résistance commence à s’organiser. Que demander de mieux?

Ainsi à la moitié de l’intrigue on se rapproche de l’identité d’Ami mais on ne sait toujours pas si l’élément fantastique ou SF est confirmé après quelques évènements bien intrigants et un passage dans une sorte de réalité virtuelle en mode lavage de cerveau. Bref, comme depuis le début on est bien incapable d’avancer des certitudes et on se demande encore quel lapin le maître va nous sortir de son chapeau au prochain volume. La maman de Kanna visiblement… Dernière remarque avant de conclure, concernant les dessins qui ont le tort de leur classicisme, ce qui empêche la série d’atteindre les 5 Calvin malheureusement. Non qu’Urasawa soit un mauvais dessinateur mais la simplicité du trait limite l’emballement oculaire que le tourbillon de l’intrigue attendait. Dommage.

20th century boys #2-5

Manga de Naoki Urasawa

Panini (2002-2007), 208 p./volume, série finie en 22 volumes.

L’édition chroniquée dans cette série de billets est la première édition Panini. Une édition collector (avec albums doubles) a ensuite été publiée puis récemment la Perfect, grand format et papier glacé, au format double également. Le billet sur le premier volume est ici.

La secte AMI projette rien de moins que la fin du monde pour le 31 décembre 2000! Comment une bande de potes éparpillés par la vie et plutôt piteux vont-ils devenir les héros qui ont empêché la fin du monde?…

Après huit volumes d’Urasawa lus (trois Asadora et cinq 20th century) je peux le confirmer: Urasawa est un style de récit à part entière! Faisant partie de la famille des auteurs exigeants, torturant leurs lecteurs par des récits déconstruits éclatés en lieux et en temps, son plus grand talent est de parvenir à nous happer par les techniques de la série TV dont il a totalement assimilé les codes. Le risque principal de cette narration est la dilution. Outre le fait que la série se termine en une vingtaine de tomes (raisonnable pour une série manga), l’auteur sait toujours où il doit s’arrêter, où il doit raccrocher son lecteur avant de le perdre définitivement. D’une lecture frustrante, 20th century boys échappe systématiquement au confort de lecture. Dès que l’on commence à appréhender un personnage il meurt ou disparaît. Pas à la manière de Game of Thrones ou les 5 Terres par une rupture brutale, non, chez Urasawa le récit s’arrête simplement pour reprendre ailleurs, laissant le lecteur marner… Ce chaos peut lasser. Mais le jeu des petites graines semant le mystère, la surprise, est suffisamment bien mené pour ne pas trop laisser le temps de réfléchir.

Au stade du cinquième tome, on peut dire que le premier cycle s’est achevé, bouclant sur les premières images du secrétaire général de l’ONU célébrant les héros que l’on devine Kenji et ses potes. Devine car dans 20th century boys tout n’est que hors champ, interprétation, comme une série du petit écran qui jouerait d’intelligence pour masquer un budget très serré. Ici on mets ainsi la focale sur les personnages, en une galerie en croissance infinie, coupant les scènes chaque fois que l’on risque une révélation… L’auteur ne nous aide pas non plus à savoir quand on est, accentuant le maelstrom cérébral pour tisser des fils entre tout ce qu’on nous raconte, et en finissant par douter de la véracité des images montrées. Urasawa serait-il un grand manipulateur? Assurément! Mais un grand conteur aussi, qui ne sacrifie aucun personnage sous prétexte qu’il est secondaire. Ainsi, pris sans cesse à contre-pied on ne sait jamais si Kenji est le vrai héros, si untel est le vrai méchant etc.

Comme le veut l’adage « plus gros c’est plus ça passe », on finit par oublier l’énormité de cette conspiration dont on ne nous dit (pour l’instant) jamais l’origine ni les rouages. Avec pour seuls informations le fait que le plan apocalyptique a été conçu par Kenji et qu’AMI a tissé une tentacule nationale pour mener à bien son projet, on n’a ensuite que des successions de séquences plus ou moins longues qui mènent à ce soir du 31 décembre 2000… avant de sauter quatorze ans plus tard! Je m’arrête là au risque de spoiler mais il est certain que l’auteur nous réserve encore bien des surprises tant le rythme est soutenu dans ce monument du manga.

Thorgal: le cycle de Shaïgan

 

 

BD de Jean Van Hamme et Gzegorz Rosinski

Le Lombard (1991-1997), cycle de 5 volumes.

Disponible dans le quatrième volume de l’intégrale nb chez Niffle. et dans le diptyque du Lombard (épuisé) comprenant étrangement les seuls marque des bannis et La couronne d’Ogotaï.

Ce troisième billet de guide de lecture de la saga s’intéresse au dernier véritable cycle de Thorgal, le Cycle de Shaïgan où le héros va perdre la mémoire et se retrouver dans la peau du terrible pirate Shaïgan. Comme vous le constaterez, à mesure que la sève scénaristique de Van Hamme s’est tarie la taille des cycles a grossi jusqu’à brouiller les bornes. Ainsi, si le cycle du Pays Qâ commence véritablement avec l’apparition du personnage de Kriss de Valnor dans Les archers, celui de Shaïgan débute sur La Gardienne des clés à la fin duquel il décide de quitter les siens. Cet album marque avec L’épée soleil (qui voit le retour de la méchante) une sorte de diptyque préparatoire. On peut donc envisager le cycle de Shaïgan sur sept tomes et non les cinq que j’aborde ici. Après La cage viendront cinq albums solo tout à fait commerciaux et très loin de l’inspiration des origines puis un petit miracle avec la reprise de la série par Yves Sente sur le cycle de Jolan qui aurait dû marquer le point final de la série. Mais j’y reviendrais dans un billet consacré à ce cycle particulier.

L’apparition d’anciens ennemis et les caprices des Dieux ont lassé Thorgal des dangers dans lesquels il met sa famille. Souhaitant les protéger il décide de s’éloigner sans se rendre compte que les conséquences seront plus terribles encore pour Aaricia, Jolan et Louve. Il apprend bientôt qu’une Forteresse invisible, cachée des Dieux, doit lui permettre de se faire oublier des habitants d’Asgard…

Longtemps mal perçu par moi du fait d’une structure compliquée qui semble évoluer au fil des albums, avec la forte impression que le talent brut de Jean Van Hamme permet seul de donner une cohérence à l’ensemble en sortant de son chapeau quelques idées géniales, ma relecture avec ma fille m’a permis de réhabiliter quelque peu ce cycle. Shaïgan correspond à une époque où la nouvelle série Largo Winch aspire toute la sève du créateur (avec un troisième diptyque H/Dutch connection qui est pour moi le meilleur de la série), laissant par exemple le pauvre XIII dans ses laborieuses aventures sud-américaines. A partir de cette époque les lecteurs sentent que le poids financier de ces deux séries oblige ses auteurs à les prolonger sans que ni l’envie ni la nécessité créatrice ne le justifient.  Malgré cela Van Hamme a encore assez de génie pour proposer, notamment sur La marque des bannis et La couronne d’Ogotaï, peut-être les deux meilleurs albums de la série! Si La Forteresse invisible propose une aventure assez classique de Thorgal (donc au-dessus de la moyenne des séries équivalentes), l’album suivant est le seul et unique où le héros est totalement absent! Idée gonflée et superbe qui permet aux auteurs d’assumer une description particulièrement sombre en faisant assumer à la douce Aaricia de terribles supplices. C’est dans la structure narrative que le hollandais maîtrise à la perfection, la chute (qui plus elle sera profonde et terrible plus elle surprendra le lecteur et permettra une ascension dramatique puissante derrière) que l’album sort du lot. Le principe de détruire fort pour rebâtir haut. Cela permet aussi pour la première fois de véritablement faire monter Jolan sur la scène, jeune garçon qui sera au cœur de La Couronne d’Ogotaï, comme son titre l’indique, rattachée au cycle précédent.

En rappelant le thème SF avec le voyage temporel, le scénariste utilise un gros Deus Ex machina… qui passe pourtant sans problème tant l’album est héroïque et résout partiellement les problèmes du personnage. Ce thème avait déjà été utilisé en one-shot sur le superbe Maître des montagnes, mais ici l’insertion de liens profonds, tels les grands arcs des comics qui convoquent parfois des personnages ou évènements passés il y a des années et des dizaines d’albums, crée une familiarité et un intérêt indéniable. La Mythologie Thorgal fait son effet et c’est là toute la force d’une série qui n’oublie jamais son passé pour le voir ressurgir régulièrement. Ces deux albums, outre de créer de nouveaux personnages importants pour la suite, sont la rampe de lancement vers ce qui tardera un peu à venir, le cycle de Jolan lors du passage de témoin à son successeur Yves Sente.

La suite est assez classique même si on y retrouve de beaux dessins et la mythologie magique chère à la série, et se conclut sur une séquence puissante dans la Cage où refusant un happy end trop facile, Van Hamme montre combien la souffrance d’Aaricia ne peut s’effacer par le simple retour d’un héros toujours naïf. Cette belle histoire d’amour universelle aurait pu s’arrêter là tant tant la boucle semblait bouclée, le lecteur sachant que la fuite en avant pourrait ensuite se prolonger en tirant vers le ridicule.

Graphiquement Rosinski est toujours au niveau dans son style classique et ne passera en couleur directe (après les expériences de Western et du Comte Skrabek) que sur le dernier album du duo, le Sacrifice, après cinq albums où dessin comme scénarios seront devenus assez piteux. On se contente alors pour les plus fans des couvertures toujours superbes… Le Cycle de Shaïgan mérite d’être (re)lu pour ce qu’il est, le dernier arc d’une série en équilibre entre impératifs économiques et création sincère. Sans doute la transmission à un nouveau scénariste aurait-elle dû être faite dès la fin de ce cycle pour repartir sur de bonnes bases, mais on sent tout de même l’envie de donner une conclusion digne et cohérente à un héros (et sa famille!) en préparant le fils à une relève pertinente.

Les spectaculaires dépassent les bornes

BD de Régis Hautière et Arnaud Poitevin, couleurs de Christophe Bouchard.

Rue de sèvres (2020), série en cours les Spectaculaires , vol. 4., 54 p. par volume.

Merci à Rue de Sèvres pour leur confiance.

La série, constituée de one-shots, est toujours habillée de la même maquette élégante et art-déco. Depuis le troisième volume le titre évolue avec un jeu de mot autour des Spectaculaires, confirmant un work in progress de cette série. L’intérieur de couverture présente un papier-peint avec les personnages principaux et cet album est pour la première fois introduit par un prologue autour du méchant Arsène Lapin avant la page de titre. Très propre comme d’habitude, rien à redire. L’album est imprimé en Belgique.

Le mystérieux gentleman-cambrioleur Arsène Lapin a encore frappé et dérobant des documents confidentiels à l’Elysée! L’État confie aux Spectaculaires la périlleuse mission de retrouver Lapin… en participant à la course automobile Paris-Berlin: s’ils remportent l’épreuve le gredin a promis de leur restituer les documents…

Déjà un classique de la BD familiale, les Spectaculaires est une lecture attendue à la fois pour la familiarité et pour la qualité de sa réalisation. Mine de rien il devient compliqué de créer une série humoristique qui se démarque, sans réciter ses classiques. Sur les bases désormais installées de l’équipe de bras cassés au sein desquels surnagent juste la fille Pétronille et l’aérien Evariste, les albums arrivent à être spécifiques en jouant sur des registres différents.

Si le précédent album était plutôt terne graphiquement du fait de séquences plutôt nocturnes et urbaines, dans cet opus les couleurs éclatent (les champs de tulipe hollandais sont très réussis) au grand air. Les décors ne sont pas le fort du dessinateur, un peu délaissés. En revanche les trognes, et les plans serrés en général ont un excellent dynamisme et par moment une texture à l’ancienne très agréables. On comprend l’économie nécessaire à la réalisation d’un album, mais les quelques plans fourmillants de détails laissent un petit goût de déception en imaginant ce qu’aurait pu être l’album avec un peu plus de temps.

Les spectaculaires est une BD d’humour et c’est sur ce plan que les auteurs se font plaisir et nous avec. Les dialogues sont en mode ping-pong, avec une petite mention à l’esprit toujours décalé d’un féminisme rentre dedans qui fusille les mœurs d’une époque bien rétrograde. A noter que si les précédents tomes avaient déjà commencé à introduire des références et des personnages historiques, c’est ici un véritable festival de personnages de BD plus ou moins cachés dans la foule des spectateurs de la course, passage vers Bruxelles oblige!  On se retrouve aux grandes heures des délires d’Arleston et Tarquin dans les premiers Lanfeust où les auteurs jouaient allègrement avec leurs lecteurs. L’intrigue, très simple, suit donc les pérégrinations des héros entre les étapes de la course, entre sabotages et interactions avec les autres concurrents tous plus clichés les uns que les autres: le terrible teuton au casque à pointe Gerhard Schlüssen von Mumuth, le bellâtre italien Silvio Malipoli ou la comtesse Moldypudding et son chien… Les gags sont attendus mais efficaces et on rit très spontanément. On regrettera tout de même une révélation totalement téléphonée (sauf peut-être pour les plus jeunes lecteurs) mais l’ensemble de l’album est suffisamment amusant et punchy pour atténuer la faute. Le final se permet en outre une première ouverture vers un méchant récurent et une implication plus grande des personnages dans les intrigues à venir. Si ce quatrième épisode est légèrement en deçà par rapport au précédent, les Spectaculaires reste en définitive une série qui fonctionne et dont on attend très volontiers la prochaine aventure.

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Les Indes fourbes

BD d’Alain Ayroles et Juanjo Guarnido

Delcourt (2019), 160 pages, one-shot.

Les albums qui jouissent d’une telle attention matérielle (pour une édition classique) sont rares, surtout chez un éditeur comme Delcourt. Si certains lecteurs ont trouvé le prix trop élevé (trente-cinq euros soit l’équivalent d’une intégrale sur une série en quatre volumes…) je trouve pour ma part que l’objet porte à lui seul toute la qualité du projet, de A à Z, avec un format plus grand que la BD classique, des dorures (on aurait pu avoir un gaufrage pour le même prix), un ruban rouge pour marquer la page, des intérieurs de couverture reprenant une carte ancienne en haute résolution (… ce n’est pas toujours le cas), une page de titre reprenant l’aspect des livres anciens, des pages d’intertitre décorées… bref, les auteurs ont mis les petits plats dans les grands et cela mérite un gros Calvin édition de toute évidence. Comme on dit, un album pour se faire plaisir et que l’éditeur aurait tout à fait pu sortir à Noël pour un énorme carton. A noter une édition encore plus grand format en Noir&Blanc qui sort en novembre… et qui me rend très sceptique quand à son intérêt quand on voit la technique utilisée par Guarnido et la force des couleurs. Certains dessinateurs sont des encreurs fous qu’il faut lire en NB (comme son compatriote Roger), Juanjo Guarnido n’en fait pas partie. Bruno Graff sort également un album spécial (qui semble bien plus intéressant mais risque de coûter cher) en décembre.

Pablos est attaché dans la salle de torture, les yeux hagards, la barbe longue. Il est interrogé par l’Alguazil majeur quand à l’origine de son médaillon en or et la disparition de l’Hidalgo Don Diego. Nous sommes aux Indes et la fièvre de l’Eldorado a conquis tout le monde. Pablos va nous narrer ses aventures. Ou pas… vous verrez bien!

J’ai mis très longtemps à lire cet album sorti fin août car vu le morceau j’ai vu tout de suite qu’il fallait de bonnes conditions pour l’apprécier. Vue la taille il n’est d’ailleurs pas tout à fait adapté à la lecture au lit mais passons. Comme dit plus haut, un tel objet vous met d’office dans des (bonnes) conditions particulières, de par le luxe et l’immersion dans l’univers des récits picaresques, de l’imprimerie et des aventures en un temps où les inégalités étaient le lit de la monarchie assise sur son tas d’or mais où malgré le poids des classes sociales tout était possible à qui s’en donnait les moyens. Alain Ayroles, amoureux de la langue et de l’époque dite Classique comme il a pu le montrer avec sa série De capes et de crocs, a produit avec Les Indes Fourbes son grand œuvre, un monumental scénario qui rangerais presque le dessin de son comparse espagnol au second plan. Et ce n’est pas un mince exploit tant le dessinateur de Blacksad est considéré comme l’un des plus virtuoses du circuit. Projet plus ou moins secret, on comprend d’ailleurs mieux la faible productivité du dessinateur sur sa série best-seller quand on imagine le temps qu’il lui a fallu pour produire ces quelques cent-cinquante planches des Indes fourbes, probablement en parallèle des aventures du chat détective.

Présenté comme la seconde partie du roman picaresque écrit par Francisco Quevedo (comparse du Capitaine Alatriste dans les romans d’Arturo Perez-Reverte), l’album s’inscrit à la fois dans un genre très balisé et s’en émancipe totalement par la structure complexe qu’il adopte. En trois chapitres, un prologue et une épilogue, Ayroles va balader son lecteur au fil des versions de cette histoire où l’on comprend assez rapidement que le coquin Pablos nous raconte à peu près ce qu’il veut ou plutôt ce que l’Alguazil enfiévré par l’or veut entendre. Il faut être concentré sur la première partie puisqu’il y est fait référence à des évènements et personnages que l’on ne découvrira que plus tard. C’est donc bien la quête de l’Eldorado qui est le sujet de l’histoire… ou plutôt de sa première version. Car, récit picaresque, il est surtout question de la vie réelle, inventée, imaginée, d’un gueux parti aux Indes, pays des sauvages indiens et conquistadores, de la toute puissance de l’Église et d’une morale conservatrice dont le bas peuple n’a que faire. Il y a ainsi un message hautement politique dans cet album qui commence comme une farce d’aventure pour s’achever en pamphlet sur l’Ancien Régime à la mode espagnole. La forme et le projet des auteurs restent grand public et sont emplis d’aventures et de bons mots. Il ne s’agit donc pas d’une BD sérieuse ni politique, mais le propos final qui adopte le point de vue de Pablos donne ce supplément d’âme qui différencie les belles et bonnes BD des grandes BD. Annoncée comme telle, Les Indes Fourbes est bien une grande BD qui fera date au même titre que les monuments de Bourgeon ou le Chninkel de Van Hamme et Rosinski.

Le dessin caresse l’œil, mais rappelle plus un joli Disney que les précédents albums de Guarnido, plus sombres, plus virtuoses. Autre projet, les Indes fourbes montre plutôt le talent de coloriste et de caricaturiste du dessinateur. Pas une case ne manque d’une tronche tordante qui répond aux facéties langagières du scénariste. L’album se propose en cinémascope avec de très nombreuses cases en pleine largeur qui permettent d’apprécier les paysages et décors, de poser des panoramas qui nous font voyager au travers du continent. Cela a une incidence sur la temporalité du récit mais celui-ci étant en aller-retours cela ne pose pas vraiment de problèmes. Plusieurs fois les auteurs nous envoient en outre des pages muettes, généralement lors de combats rageurs, violents, qui tournent souvent en boucheries nous rappelant le Mission de Roland Joffé. Mais si la situation des indiens et certaines problématiques de la Conquête sont évoquées, ce n’est pas le cœur du récit qui se concentre sur les pérégrinations de Pablos, dont ces dizaines de pages monumentales, bluffantes où se déroule le récit muet de l’expédition vers l’Or. Rarement BD se sera permise ce luxe de place qui nous laisse bouche bée. Le dessin n’est pas vraiment minutieux du fait d’une technique peu encrée et en couleurs directes (avec l’aide du grand coloriste Jean Bastide), mais cela n’empêche pas le dessinateur de charger ses cases au maximum, donnant à cet album des explosions de couleurs qui marquent les rétines.

Jusqu’à la conclusion l’on ne sait pas où l’on va. L’album aurait presque pu adopter la forme d’une série en trois volumes. Les histoires manipulatrices sont toujours appréciées mais au risque de prendre le lecteur pour un jambon en tombant dans la facilité. Ce n’est pas le cas ici et la boucle se boucle magnifiquement avec une conclusion grandiose, ample à l’échelle de cet album hors norme. On appelle ça un Must-have.

Jupiter’s Legacy vol. 2

Comic de Mark Millar et Frank Quitely

Publié chez Panini (2017). Première publication US chez Image (2013), 2 volumes parus.

Le second et dernier volume de la série Jupiter’s Legacy, intitulée « le soulèvement » reprend la couverture originale de l’édition US dans une maquette simple mais élégante de Panini. L’album comprend la traditionnelle galerie de couvertures additionnelles en plus d’un carnet de croquis et d’une bio à jour des auteurs. A noter que le coloriste du volume 1 a changé, avec une petite perte de qualité à ce niveau. L’album se termine avec une possibilité de suite et les Millar a produit avec un autre dessinateur un préquel, Jupiter’s Circle racontant les aventures de Skyfox, le meilleur ami d’Utopian, sorti entre les deux tomes de la série mère. Le potentiel de l’univers est évidemment gigantesque même si Millar continue rarement ses séries sur de longs arcs.

La rébellion a sonné pour les descendants d’Utopian décidés à libérer les super-vilains, seuls à même de former une armée pur mettre à bas la dictature de Brandon et son oncle. Parmi eux, Skyfox, le chef des méchants, ancien meilleur ami du fondateur Utopian et accessoirement grand-père de Jason…

La lecture du premier tome m’avais subjugué, comme c’est souvent le cas avec les scénarii de Mark Millar. Le sentiment d’avoir sous les yeux un album majeur au même titre que son Red son, uchronie plaçant Superman dans un univers soviétique. Si la cesure entre les deux tomes peut surprendre (la coupure chronologique de plusieurs années avec l’arrivée du jeune Jason était intéressante mais aurait pu être placée entre les deux tomes), l’intrigue reste linéaire et passionnante, avec le cadre classique des derniers espoirs contestant un pouvoir dictatorial. La petite faiblesse tient à la moindre surprise, le basculement entre le monde d’avant, celui d’Utopian et celui de son frère se faisant dans le tome précédent. Du coup on attend des surprises du même ordre qui tardent à venir. le principal intérêt repose dans ce volume sur la vérité variable selon le camp que l’on occupe, avec un Skyfox présenté comme le super-méchant qui se trouve être en réalité un simple contestataire de l’ordre établi. Ici la dimension politique qui rend la série passionnante revient en illustrant que ce sont les détenteurs du pouvoir qui déterminent qui est bon et qui est méchant. Avec en petit bonus l’attitude très bad-ass du grand-père de Jason, sa clope au bec et son nihilisme égoïste. En revanche la virulence du propos économique retombe presque totalement et l’on se retrouve avec un comic plus classique, moins sulfureux. Quand Jupiter #1 trouvait l’alchimie parfaite entre l’entertainment graphique virtuose (les inventions délirantes de Quitely sur les pouvoirs) et le pamphlet à la Renato Jones, le deux se contente d’achever ce qui a été lancé. Il est probable que les deux volumes doivent se lire à la suite et devrait être désormais édités en un unique volume comprenant Jupiter’s Circle tant la coupure n’est scénaristiquement pas pertinente.

Hormis ce bémol, cette clôture reste de très haut niveau, avec toujours ce découpage très horizontal du dessinateur écossais qui permet une formidable lisibilité et un dynamisme digne d’un manga. La puissance des explosions, envols, la gestion de la temporalité des cases est affolante et rappelle par moments les jeux graphiques de Trevor Hairsine sur Divinity (les deux illustrateurs britanniques partagent d’ailleurs un style très crayonné et organique). La grands originalité de Jupiter’s Legacy, dans un cadre de Super-héros très formaté, repose sur les trouvailles quand aux pouvoirs et effets physiques: la téléportation d’un train en action sur une rangée de soldats, la manipulation mentale ou l’héroïne qui voyage sur les électrons sont des exemples d’idées très motivantes. Le changement de coloriste pose des textures moins subtiles que sur le premier tome, ce qui est dommage, même si la cohérence entre les deux n’est pas remise en question. Le design des héros reste génial et original. On ressent l’envie de changement et la liberté créatrice des auteurs. Cette série est une telle fraîcheur!

La déception principale après avoir lu cette incroyable réinvention du genre super-héroïque est donc bien la brièveté de ce concept que l’on aimerait voir prolongé sur d’autres arcs. L’alchimie entre le scénario et le graphisme est telle que l’on est déçu de voir tant d’idées qui n’ont pas le temps d’être développées. Je lirais à coup sur Jupiter’s Circle par curiosité et vous invite très vivement à vous procurer les deux volumes de Legacy, que vous soyez férus de comics ou novices. Il s’agit d’un grand moment de lecture que l’on a plaisir à reprendre en attendant comme toujours chez Millar, une adaptation ciné qui promet d’être grandiose pour peu que l’équipe parvienne à reproduire ce miracle dessiné.

Batman: White knight

Comic de Sean Murphy

Urban (2018) – DC (2017), One-shot.

A album exceptionnel travail éditorial aux petits oignons avec un nouveau bandeau pour la collection Black Label de DC (à l’origine destiné à publier des ouvrages matures selon les critères américains mais que l’affaire du Bat-zizi a montré comme aussi puritain que les autres comics…) et trois superbes couvertures pour l’édition couleur, la N&B et la spéciale FNAC. Un gros cahier graphique montrant les recherches de design affolantes de maîtrise (notamment pour la batmobile!!!!) en fin d’album et bien sur les couvertures originales des huit épisodes. On aurait voulu en avoir plus mais cela n’aurait pas été raisonnable…

Suite à une énième poursuite avec Batman, le Joker voit sa personnalité originale de Jack Napier prendre résolument le dessus sur son identité pathologique. Décidé à démontrer la violence et la folie de Batman, il se présente comme le héraut du peuple contre les élites corrompues de Gotham et la radicalité hors des lois du chevalier noir commence à ne plus être acceptée…

Il est toujours difficile de commencer une BD aussi attendue tant l’on craint d’être déçu. J’ai découvert Sean Murphy tardivement, sur l’exceptionnel Tokyo Ghost et autant apprécié la minutie de son trait que son côté bordélique. Les premier visuels du projet White Knight publiés l’an dernier m’ont scotché autant que le concept (j’ai toujours préféré les histoires de super-héros one-shot ou uchroniques (type Red Son) et depuis je suis Impatience… Une fois refermé cet album au format idéal (histoire conclue en huit parties avec une possibilité de prolongation… déjà confirmée avec Curse of the White Knight) l’on sent que l’on vient de lire un classique immédiat! C’est bien simple, tout est réussi dans ce projet, des dessins aux personnages en passant par la cerise sur le gâteau: l’insertion de Gotham dans l’actualité immédiate avec le dégagisme et la lutte contre les 1%. Ce dernier élément pose la référence avec le Dark Knight  de Miller et Watchmen, deux monuments qui assumaient un message politique et proposaient une véritable vision d’auteur de personnages iconiques dans les années 80. On est ici dans la même veine et très sincèrement il est rare, des deux côtés de l’atlantique, de voir un projet aussi ambitieux et abouti.

Sur la partie graphique on retrouve quelques tics de Murphy comme ces sortes de bottes-porte-jarretelles de Batman (que l’on trouvait dans Tokyo Ghost), la fille qui sauve un héros brutal et torturé ou les références à d’autres œuvres à droite à gauche. Murphy est un fan de toute éternité du Dark Knight et l’on sent dans le Joker, présenté dans la BD comme le premier fan de Batman et dont la chambre est peuplée de jouets à effigie du héros, son alter-ego de papier. Au travers des différentes Batmobiles l’auteur rappelle la généalogie majeure de Batman, de la série des années 60 au film de Tim Burton et à ceux de Nolan. Ce sont surtout des références cinéma qui pointent et aucune allusion à la série de Snyder Capullo  n’est faite, la seule attache aux BD de Batman est sur le meurtre de Robin dans le Deuil dans la famille. Le nombre d’éléments que nous propose Sean Murphy est assez impressionnant, outre ces multiples références subtiles il utilise les passages obligés du Batverse à savoir les méchants, l’arme fatale, Gotham comme personnage à part entière et ses secrets, l’ombre de Thomas Wayne et la relation avec Gordon… Tous les dialogues sont intéressants, permettent de développer une nouvelle thématique et rarement des personnages de comics auront été aussi travaillés. Jusqu’à la conclusion dans une grosse scène d’action tous azimuts comme Murphy en a le secret le scénario est maîtrisé et nous laisse stoïques avec l’envie de reprendre immédiatement la lecture.

Avec le dessin (la batmobile est la plus réussie de l’histoire de Batman!) l’inversion des rôles est un apport majeur à la bibliographie du super-héros. Outre de renouveler l’intérêt avec, me semble-t’il, une grande première que de présenter le Joker comme le gentil, cela permet de creuser très profond dans la psychologie et les motivations des deux personnages que sont  Batman et le Joker et brisant le vernis manichéen qui recouvre l’œuvre depuis des décennies.  Le Dark Knight de Frank Miller était un Vigilante bien dans l’ère du temps n’intéressait finalement moins l’auteur que son environnement socio-politique. Dans White Knight, les deux faces intéressent l’auteur et il est passionnant de voir défiler des réflexions qui sonnent toutes justes, qu’elles viennent de Nightwing, de Gordon, Napier ou Harley. Batman est finalement le moins présent dans l’intrigue et pour une fois n’est pas celui « qui a lu le scénar », schéma souvent agaçant.

D’une subtilité rare, White Knight sonne comme une œuvre de très grande maturité scénaristique autant qu’un magnifique bijou graphique à la gloire de toute cette mythologie. Sortie la même année qu’un autre album d’auteur (le Dark Prince Charming de Marini) cette œuvre adulte gratte les acquis en osant remettre en question beaucoup de constantes de Batman. Un album à la lecture obligatoire pour tout amateur du chevalier noir, mais aussi chaudement recommandé pour tout lecteur de BD.