Cinéma

Ciné: Avengers Endgame et le bilan du MCU

Résultat de recherche d'images pour "avengers endgame bannière"Ca y est on y est! Après dix ans et vingt-deux films, le MCU se termine… ou pour le moins sous la forme que nous lui connaissons. Pour ceux qui ont vu Avengers Endgame, si une certaine transition est prévue en matière de personnages (notamment vers les séries TV de la nouvelle plateforme Disney+, la multinationale se passant de Netflix pour la diffusion de ses séries), Marvel passera réellement à autre chose à compter de ce film. Il faut dire que ces dernières années ont énormément bousculé la donne en matière de droits sur les personnages (rachat de la 20th Century Fox) et sur certaines options « politiques » (les héros noirs, les femmes,…) en bousculant un peu la liberté artistique par des contraintes à prendre en compte par les créateurs, pas toujours facilement.

Avant ma critique du film je vais procéder à un petit rétro du MCU jusqu’ici. Pour rappel je m’étais livré à quelques réflexions et prospective sur ce blog avant la sortie d’Infinity war.

Résultat de recherche d'images pour "road to endgame art"Avant le rachat du studio Marvel (lui-même issu de l’éditeur de comic-books et l’incroyable vivier de personnages créés entre autres par le génial Stan Lee) par Disney, le MCU s’est construit progressivement, film par film, après quelques relatifs échecs (Hulk, Blade, Daredevil,…). La décennie 2000 est préparatoire au MCU avec les premiers succès du X-Men de Bryan Singer (produit par la Fox) puis le Spider-Man de Sam Raimi, avec l’option de confier ces projets à des réalisateurs confirmés. Cette formule échoue sur le premier Hulk (pourtant très chouette, réalisé par Ang Lee, mais doté d’effets spéciaux encore immatures). le producteur Kevin Feige, déjà à la manœuvre mets alors en place une stratégie: remise en production directe par Marvel, intégration industrielle des films Marvel avec de « jeunes » réalisateurs (seule exception et l’un des plus mauvais films du MCU, le premier Thor confié à Kenneth Brannagh) et montée en puissance en fonction des résultats de chaque films avec un univers partagé discret. Si le succès financier énorme du premier Iron Man montre que l’industrie et le publics sont prêts pour le MCU, il ne faut pas oublier que c’est bien le premier Avengers au succès planétaire qui lance la machine, les précédents avançant sans prise de risque (entendre « pouvant arrêter la franchise à tout moment »).

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Dès la phase 2 la recette est connue et la complexification de l’univers qui entrecroise ses films se développe. Un recadrage a lieu après le succès modéré de l’Ere d’Ultron qui semble déphasé par rapport à la trame générale et notamment la mythologie construite autour de la trilogie Captain America (à noter que seuls le Captain, Iron man et Thor sont pourvus de trois films, ce qui illustre le rôle de ces trois personnages dans la saga). Le conflit désormais connu entre le réalisateur Joss Whedon (tout puissant au sortir de son triomphe Avengers) et la production est sans doute à l’origine de ces bugs de direction. A partir de là Kevin Feige est seul maître à bord.

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La phase 3 est celle qui comporte le plus grand nombre de films avec quelques écarts qui expliquent à mon sens en partie l’impression étrange après le visionnage d’Infinity War et Endgame. Si les Gardiens de la Galaxy devait introduire la thématique spatiale indispensable à l’arrivée prévue de Thanos, il apporte surtout un univers flashy et décalé, reproduit sur le Vol.2 et sur Thor Ragnarok, véritables fautes de gout qui créent une brèche dans la cohérence de cet univers. Le MCU jonglait jusqu’ici entre l’espionnage sombre de Captain America et les joutes mythologiques du tout puissant Thor, mais en gardant un aspect réaliste et assez sérieux. Comme films solo cet aspect rafraîchissant fonctionne. Dans un opéra dramatique tel que Infinity War, c’est justement le retour au pathos qui fonctionne, avec cette chute incroyable, gonflée en diable, que prolonge le début d’Endgame avec cette vision d’un Tony Stark décharné, déchu…

Attention, ici commencent les SPOILERS…

Le MCU nous présente des héros, des super-héros, musclés, beaux, puissants, clichés, mais on est là pour ça! La nécessité dramatique passe par des surprises, des morts évidemment et des ruptures, comme sur Civil War (second film non Avengers à dépasser le milliard de recettes avec Iron Man 3), considéré par beaucoup comme un Avengers 3. Infinity War nous présentait des héros en échec, brisés, mais héroïques. Endgame en voulant jouer sur la rupture brise cet état: Hulk n’a plus peur, Thor est Big Lebovsky, Captain ne dirige plus grand chose et Tony Stark deviendrait presque humble… Où sont passés nos héros? Seul Antman semble épargné par cette crise de fin de cycle. En outre, si les décisions artistiques prises sur Infinity étaient très réussies (la barbe de Captain et le look de Thor), on est pas loin dans Endgame du minimum syndical en matière d’originalité. Résultat de recherche d'images pour "captain marvel endgame"La rage n’est plus là et si l’on compte le nombre de combats on est surpris par le fait que tout est pratiquement rassemblé sur le grand final, étonnamment court pour une clôture de cette envergure. Les constantes sont rompues. Idem pour un Thanos si réussi en anti-méchant (concept nouveau inventé pour l’occasion!) qui redevient dans Endgame un simple méchant décidé à tout détruire. J’appelle cela le syndrome Star Wars VIII quand pour essayer de perturber le spectateur les producteurs en viennent à casser les constantes et oublier l’ADN d’une saga. Or lorsqu’on a bâti un univers mythologique on ne peut pas en briser les fondements. Tuer un personnage oui, mais un Jedi est un Jedi et un héros reste un héros…

Cette dualité entre deux visions du MCU semble avoir abouti à deux films distincts alors qu’ils étaient à l’origine deux parties d’un même long-métrage final. Ceci provoque, outre d’incompréhensibles facilités scénaristiques, de gros problèmes de rythme: après une entrée en matière impressionnante et directement rattachée à la fin du précédent film, un saut dans le temps de cinq ans injustifiable à ce moment là, des revirements de positionnement brutaux (Tony Stark change d’avis sans raison), des scènes inutiles et improbables (le selfie WTF d’Hulk et Antman) et des pistes totalement inexploitées (le paradoxe temporel, l’incidence sur Thanos de sa capture de Nebula, Captain Marvel)… Résultat de recherche d'images pour "iron man rescue"On a dans Endgame trois parties absolument cohérentes mais aucunement reliées entre elles: le début dramatique, lent, sombre, le milieu en mode déconne et fan-service, le final baston anthologique. Chaque partie est bonne mais la structure n’y est pas. Surtout, le lien avec Infinity War ne se fait pas.

A ce stade je tente une hypothèse pas si improbable vu le décalage entre les deux films: Infinity war pouvait constituer une fin véritable à la saga de l’Infinité. Sa structure était complète. Et si les réalisateurs avaient proposé cette conclusion comme une sorte de Director’s Cut et que Marvel avait répondu oui mais avec un autre film, un remake en mode Happy End? Car c’est bien ce qu’est Endgame: un second round que rien d’autre que l’envie de voir l’ensemble des Avengers taper Thanos ne justifie… D’où les facilités de scénario, d’où le Deus Ex Machina Captain Marvel,…

Le principal événement récent dans l’industrie du ciné hollywoodien est l’arrivée de la plateforme Disney, qui intègre désormais la totalité de la filière de production  de créations ciné. Lorsqu’on regarde Endgame avec cela à l’esprit l’on ne peut s’empêcher de craindre que nombre de scènes étranges sont là pour lier le film à une future série. Car à force de voir le miracle MCU qui voit le summum de l’industrie du spectacle mercantile parvenir à équilibrer le créatif et le commercial on en oublierait presque que Disney produit ses films pour vendre autre chose. J’espère que l’on n’en est pas arrivé là…Résultat de recherche d'images pour "immonen x men avengers"

Et la suite? Rarement si peu d’infos sont tombées de la part de Kevin Feige. On connait les prochains films, ce qui ne nous apprend rien sur la trame générale, avec des Dr Strange 2, Black Panther 2, Gardiens de la galaxie vol.3 et un Black Widow finalement bien tardif et que l’on imagine mal autrement qu’en one-shot. La seule certitude c’est que le MCU en finit avec les créations Stan Lee pour rebondir vers d’autres créations, notamment les Eternels. La catastrophe de la série TV des Inhumains rend improbable ce qui aurait pourtant été une piste naturelle. Tout le monde attend un crossover avec les X-Men, ce que ne semble pas envisager Feige rapidement pour des raisons de calendrier. Mais qui a regardé le MCU de bout en bout sait combien le producteur sait adapter ses plans, comme l’illustre l’intégration en urgence de Spidey, avec le succès que l’on sait. Paradoxalement après plusieurs tentatives solo Hulk a intégré idéalement le MCU comme personnage sans film, de même qu’Hawkeye, un des héros les plus populaires des films. Et si la force de ces films était justement de proposer juste des apparitions en jouant sur l’impatience des fans? L’avenir nous le dira, selon l’équilibre que Marvel saura trouver avec Disney sur le plan créatif…

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Cinéma·Graphismes

Bilan ciné de 2018

Comme on est dans les bilan et que dès le début j’avais envisagé ce blog comme traitant de tout ce qui était graphique, tout média confondu, je vais faire un petit retour ciné sur les films qui m’ont paru le plus visuellement intéressants de l’année passée (pas forcément les meilleurs films de l’année):

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Depuis quelques temps l’ami Steven aime à faire joujou avec les outils numériques, sans aucune honte à proposer un jeu vidéo en salle de cinéma. Du coup, comme il sait un peu faire des films on ne s’ennuie pas une seconde et il se permet en outre de poser pas mal de références plus qu’explicites à des films d’animation ou de cinéma, de Gundam à Shinning, avec une séquence entière totalement insérée dans le film de Kubrick. Ca reste un film pour ado, pas le plus intéressant ni novateur du siècle mais visuellement totalement ébouriffant.. pour peu que l’on ne soit pas un habitué des jeux vidéo dernière génération qui sont tout aussi jolis et souvent bien mieux écrits… Le serpent qui se mord la queue?

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Un premier film, de genre, très graphique, on en a eu plein en France, pas toujours réussis et rarement suivis par autre chose. La bande-annonce m’a plu, les images surtout et j’aime bien ces histoires simples de vengeance brutale en pleine nature. Il ressort du film un étonnant faux-rythme, une image saturée dans des paysages magnifiques et un travail radical (sur le sang par exemple) que l’on ne trouve que dans des premiers films. Ça se laisse franchement regarder, ça n’a pas plus d’ambition que celle d’une bonne série B et c’est très joli.

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Que dire de ce coup de poing à l’estomac, de ce quasi acmé super-héroïque? Vous l’avez tous vu, comme Avatar en son temps… sauf que c’est finalement vachement mieux qu’Avatar! Alors paradoxalement, si je l’aurais aisément mis dans mon top des films de l’année, graphiquement ce n’est pas le plus réussi du Marvel cinematographic universe. On reste dans des canons très hauts, très colorés aussi, avec quelques illuminations visuelles et très peu de fautes techniques pour un film avec autant de plans synthétiques. La réussite du film est plus thématique (le méchant!!!!!) que visuelle, mais bon, c’est trop tard, il est sur ce billet et il y reste, voilà!

Spider-Man : New Generation

Vu juste après Asterix qui m’avait déjà bien claqué la rétine, j’ai eu la désagréable impression de voir le film en 3D sans lunettes à cause de cet effet de flou qui semble être au final volontaire. Dommage car sinon c’est l’un des objets animés les plus inventifs et gonflés que j’ai vu, un patchwork de culture urbaine du graph, de la BD de papa et de l’image de synthèse classique agglomérés comme une synthèse absolue de BD sur écran… C’est juste superbe, dérangeant visuellement et en plus très sympathique (et drôle)  question scénario. L’un des films de l’année certainement et l’un des meilleurs films de super-héros sortis au cinéma. Et last but not least, aucune nécessité de connaître l’univers de Spidey pour apprécier le film.

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Le précédent Asterix par Astier était déjà très joli mais sincèrement je pense que personne n’attendait ce film sur le plan visuel. Or c’est sa principale force en proposant quelque chose à la fois totalement fidèle au dessin d’Uderzo et vraiment très beau. Ça fait parfois penser à la saga Dragons (dont le 2 était également magnifique) et ça montre que les français savent totalement rivaliser visuellement avec les grosses prod’ d’outre-atlantique.

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Sans doute trop ambitieux et un peu pédant, le scénario n’arrive que peu à décrocher, mais l’ambiance visuelle de cet univers corrompu par la couleur est vraiment original. On pense par moment à des films de Gilliam ou de Tarsem dans un espèce de délire graphique. Ça n’a pas beaucoup d’autre vertu que son imaginaire graphique mais ça peut valoir le coup pour cela tout de même, . La critique est ici.

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Pour finir, la suite de la très grande réussite visuelle Les Animaux fantastiques… tout aussi réussie visuellement (bien que résolument plus sombre, comme une dramatique obligation à suivre l’assombrissement de la saga Potter?) mais franchement galère niveau scénario. Le drame des épisodes 2 (sauf que l’Empire contre-attaque mais bon…). J’adore toujours autant ce design rétro et l’imagination (mention spéciale aux séquences parisiennes et aux animaux pas assez présents) et si c’est un peu long ça reste vraiment très joli. Il faudra juste expliquer un jour aux réalisateurs que plus l’image est sombre moins on la voit à l’écran… je dis ça je dis rien…

BD·Cinéma

Série: Occupied

Série d’Erik Skjoldbjærg et Karianne Lund,
(2015-2018) 2 saisons de 8 épisodes (44 minutes/épisode). Une troisième saison est commandée.

Résultat de recherche d'images pour "occupied saison 2"On savait que les scandinaves étaient bons dans le genre policier et que leurs séries télé étaient de qualité, notamment grâce à un gros travail de défrichement d’Arte. La série politique danoise Borgen (3 saisons) sortie il y a quelques années s’est hissée parmi les plus importantes fictions politiques tout pays confondu (que je mets personnellement sur le même pied que West Wing ou plus récemment Baron Noir). L’esthétique particulière de ces fictions et la qualité des acteurs (la plupart des acteurs de Borgen ont depuis fait carrière au cinéma) sont pour beaucoup dans le succès de ces créations, mais il faut reconnaître également une vraie maîtrise des techniques scénaristiques et une audace qui sont pour moi le signe d’une assimilation de l’efficacité américaines avec une liberté européenne dans le traitement. La série Occupied, dont on parle peu et à l’audience étonnamment modeste, avait été une bonne surprise sur sa première saison sortie en 2016. La seconde saison diffusée en début d’année et que je viens de terminer montre une très grande maturité et pousse encore plus loin la maîtrise sur tous les plans du drama, si bien qu’elle est désormais l’une des meilleures fiction politique jamais créée et probablement l’œuvre inspirée de l’univers de Tom Clancy la plus réussie.

Résultat de recherche d'images pour "occupied saison 2"Dans un futur proche, alors que le premier ministre écologiste norvégien annonce l’arrêt de l’exploitation du pétrole et le lancement par son pays d’une nouvelle technologie de production énergétique, la Russie fait un coup de force avec l’appui de l’Union Européenne, dépendante du pétrole et du gaz norvégiens. Cette occupation froide, faite de pressions et de coups clandestins divise les norvégiens sur l’attitude à tenir, entre collaboration avec le puissant voisin et résistance…

La première qualité d’une bonne série est de ne pas traîner en longueur. Même les plus adeptes de ce format finissent par se lasser des vraies-fausses pistes et des intrigues qui s’étalent sur des saisons entières. Le principe du feuilleton est le cliffhanger et la progression qui donne envie d’enchaîner les épisodes. Les scénaristes d’Occupied ne recherchent pas nécessairement le gros suspens de fin d’épisode, en revanche ils excellent dans la progression dramatique, remarquablement déroulée sur l’ensemble des huit épisodes (le format idéal a mon avis). Si la première saison comportait quelques longueurs autour de certains personnages (la restauratrice russophile) dont l’on attendait de comprendre l’intérêt, cette seconde n’en a absolument pas, toute accaparée sur la complexe nuance entre le droit et le terrorisme, entre la loi et la vengeance, entre intérêt personnel et intérêt de l’Etat. A ce titre, elle est une série résolument engagée puisque outre aborder sans détour une Union européenne semi-dictatoriale (on est dans une anticipation… mais ô combien réaliste!) elle traite des motivations des responsables politiques  (pour eux ou pour le pays?) mais également de hauts fonctionnaires. Du juge au responsable des services de renseignement, chacun y va de son ambiguïté.

Résultat de recherche d'images pour "occupied saison 2"Il en est de même pour les russes. Bien entendu, du fait du sujet, la série peut être vue comme russophobe. Pourtant beaucoup de choses sont crédibles dans les relations entre les deux pays et les personnages russes sont beaucoup plus subtiles que les apparences pourraient montrer. Le terrorisme est réel et l’ambition pour une grande puissance militaire de protéger ses intérêts dans une région que beaucoup peuvent percevoir comme faisant partie de sa sphère d’influence justifie certaines attitudes. Surtout, la série montre bien la bascule subtile entre la collaboration constructive et la trahison nationale. Ainsi il n’y a (presque) pas de méchant dans la série tant tout le monde pourrait développer un argumentaire pertinent sur ses choix.

Résultat de recherche d'images pour "occupied saison 2"Enfin, la radicalité géopolitique qui fait des liens avec beaucoup de situations que nous voyons dans les journaux est très forte. Jesper Berg passe ainsi du statut de premier ministre à celui de chef de gouvernement en exile, terroriste en fuite et activiste réfugié… La Catalogne, Julian Assange, bien des exemples montrent que ces revirement peuvent survenir très vite. La série pourrait être résumée par cette assertion d’un personnage qui explique que De Gaulle et Mandela ont été des terroristes avant d’être de grands chefs d’Etat… tout dépend  qui détient le pouvoir et détermine ce qui est juste. La légitimité est toute subjective et ce rappel est salutaire de nos jours où le mythe libéral d’un Droit d’essence quasi divine qui s’imposerait naturellement à tout un chacun.

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En bonus un entretien avec Hubert Védrine, ministre des affaires étrangères de Lionel Jospin.

Cinéma·Comics·Nouveau !

Visionnage: Les indestructibles 2

Film de Brad Bird
(2018) 1h58.

Résultat de recherche d'images pour "les indestructibles 2"Les Indestructibles premier du nom est encore très présent dans ma mémoire (et pas que la mienne visiblement), comme l’un des tous meilleurs films de super-héros de l’histoire avec Incassable et Watchmen. L’esthétique rétro, l’humour Pixar toujours aussi efficace, le scénario à la James Bond,… étaient un concentré de bonnes références re-digérées idéalement en un film joli, marrant et plein d’action. Et l’intrigue classique des films de super-héros (la loi interdisant leur activité, sujet vu dans Watchmen ou X-men) le rattachait pleinement à la lignée des comic-books.

On savait qu’un second épisode était prévu et malgré l’impatience, la durée de l’attente était un gage que ce numéro 2 ne sortirait pas pour des raisons commerciales mais par envie réelle du réalisateur Brad Bird, l’un des plus talentueux artistes de Pixar (déjà à l’origine d’une revisitation du mythe de King-Kong avec son Géant de Fer, considéré comme l’un des meilleurs dessins-animés jamais produits). Le rachat de la boite par Disney entre temps pouvait faire craindre une contamination de bien-pensance. Qu’en est-il?

Alors que la famille Parr voit la disparition du programme de réinsertion des super-héros, un étrange mécène propose de les embauches pour réhabiliter le rôle des héros dans la société. Ce sera Elastigirl qui fera le test en se lançant à la poursuite de l’Hypnotiseur…

Résultat de recherche d'images pour "les indestructibles 2"Et bien personnellement j’ai passé un excellent moment avec la famille indestructible! Le principal manque est celui de la nouveauté. C’était inévitable mais du coup on est forcément en terrain connu, surtout pour ceux qui ont vu le court-métrage sur Jack-Jack et ses pouvoirs, qui coupe un peu le principal apport de ce film. Le bébé apparaît en effet un peu comme le Scrat de l’Age de glace, focalisant les meilleurs séquences sur ses capacités. Mais contrairement au film givré tout le métrage ne repose pas que sur ces moments et c’est tant mieux.

Le film débute immédiatement après la fin du premier, c’est du coup un peu perturbant de se remettre dans le bain après quatorze ans d’attente et je conseille vivement de se revoir le premier épisode avant (bien que ce ne soit pas indispensable, mais ça aide à se rappeler le contexte). Le film voit le retour de Frozone, Edna et des voix françaises particulièrement réussies. Les séquences d’action sont nombreuses mais ce sont bien les problèmes de famille qui restent dans les mémoires en tirant sur les zygomatiques. Les affres de la garde d’un super-bébé, le combat contre le raton-laveur, les conséquences de l’effacement de mémoire sur la vie sentimentale de Violette sont autant de moments qui nous rappellent la force de cette franchise et de tout bon film de super-héros: les éléments de la vie quotidienne pour des personnes anormales…

Résultat de recherche d'images pour "les indestructibles 2"La brochette de nouveaux héros est dotée de pouvoirs très originaux et l’équipe du film s’éclate à créer des situations tordantes à partir de ces pouvoirs. Visuellement j’ai été un peu déçu par rapport au premier. Le design général est très proche mais le cadre plutôt nocturne et urbain ne permet pas le dynamisme que comportait ne premier film avec la maison d’Edna, l’ile secrète ou le look rétro de la maison Parr.

Malgré ces très petits bémols, Les indestructibles 2 est largement à la hauteur du premier et on hésite à vouloir une nouvelle suite tant il sera difficile de proposer un scénario qui bouleverse réellement l’intrigue et le risque de tomber dans la redondance.

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Cinéma

Visionnage: Ghost in the shell (2017)

Film de Rupert Sanders
(2017), 1h47
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En 1989 le mangaka Masamune Shirow publie Ghost in the Shell (suivi de deux albums quelques temps plus tard), ouvrage qui va révolutionner les concepts cyberpunk et déboucher sur ce que certains considèrent un dépassement absolu du manga: l’adaptation en film d’animation par Mamoru Oshii ( qui a notamment traumatisé les Wachowski et leur a directement inspiré Matrix…). Après de très longues années (l’adaptation live remonte à l’achat des droits pas Spielberg en 2008) et plusieurs actrices et réalisateurs, le film hollywoodien voit enfin le jour, accompagné d’une bande-annonce qui fascine les journaux mais fait craindre un copier-coller de la version de Oshii

Je n’ai vu que les deux films d’Oshii et lu le manga (GITS compte deux séries animées et d’autres films d’animation ayant développé l’univers avec l’implication plus ou moins directe de Shirow) et craignais l’adaptation comme toutes les adaptations de Manga, rarement réussies et chaque fois américanisées. Le premier mérite que l’on peut rendre à Rupert Sander et à son film c’est son respect de l’univers d’origine et notamment la localisation asiatique. C’était loin d’être évident et dans un monde cyberpunk où un visage ne signifie rien la présence d’acteurs américains ne pose pas problème outre mesure. Mais le premier défaut du film est… son respect de l’univers d’origine et surtout du film d’Oshii. Très clairement, ce que laissait envisager la bande-annonce se produit: la version 2017 est une adaptation très fidèle du film d’animation et non du manga. Ce respect va jusqu’à la reprise de la musique de Kenji Kawaï (notamment sur la séquence d’introduction et le générique de fin) et de séquences entières. C’est troublant car on ne saisit pas trop l’intérêt hormis de représenter un sas pour le grand public américain qui n’a jamais vu un film d’animation japonais…

Résultat de recherche d'images pour "ghost in the shell 2017"Le film a certaines vertus, comme d’expliquer certains certains éléments du manga (les yeux de Batou) et du film d’animation. Mais globalement c’est un étrange objet qui ne vise qu’à rendre hommage, sans apporter grand chose de neuf, sans vision d’auteur. Peut-être est-ce le problème des remake hollywoodiens, quand un Ridley Scott parvient à se réadapter lui-même, la plupart des remake ne sont vus que comme des machines à cash remettant à neuf des films SF un peu défraîchis à cause des effets spéciaux ou pour profiter de l’aura de jeunes acteurs bankables.

Résultat de recherche d'images pour "ghost in the shell 2017"Du reste, pris seul, ce n’est pas un mauvais film, le travail esthétique, tant sonore que de design général est intéressant même si les séquences en images de synthèse sont étonnamment laides pour un film si récent (et pour Weta, société fondée par Peter Jackson pour le Seigneur des Anneaux et qui a remplacé ILM comme référence). Cela pose surtout problème quand on adapte un film d’animation particulièrement réussi esthétiquement et que l’on va jusqu’à en reprendre des plans entiers. Du coup, lorsque l’image capte des décors et des acteurs réels c’est intéressant, dès que l’on bascule dans l’image numérique on perd toute originalité pour dégrader des images déjà vues chez Mamoru Oshii en mieux. De même, énormément de l’ambiance graphique est une redite plus colorée  de Blade Runner. On peut difficilement reprocher au réalisateur de si bonnes références, mais encore une fois, citer Ghost in the shell et Blade Runner fait-il un film? Même Blade Runner 2049 (situé dans le même univers donc) était parvenu à dépasser sa source à la fois thématiquement et graphiquement. Mais tout le monde n’est pas un auteur…

Résultat de recherche d'images pour "ghost in the shell 2017"

La dernière partie du film assume une certaine divergence avec le métrage original et le manga en simplifiant une trame particulièrement philosophique au départ par l’évacuation de la question de l’Intelligence Artificielle (pour rappel le manga tourne autour de la chasse d’une IA ayant acquis son autonomie et débouche sur la question de ce qu’est le plus humain entre une nouvelle forme de vie numérique ou un cyborg). Cela permet de faciliter la compréhension et d’élargir le public, mais y gagne t’on sur le plan filmique et artistique? Pas sur.

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Une petite vidéo illustrant les reprises littérales…

 

Cinéma·Graphismes·La trouvaille du vendredi·Rétro

La trouvaille du vendredi #17

La trouvaille+joaquimAxis Mundi
Artbook de Mathieu Lauffray
Ankama-CFSL (2013) 240 p.
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Le site collaboratif d’artistes Café-salé publie depuis plusieurs années des recueils d’illustrations pro et semi-pro publiées sur ses forums (les fameux Art-book café-salé qui proposent une immersion assez incroyables de richesse dans des univers de dizaines d’artistes différents… si vous aimez les images, foncez en acheter un!). En collaboration avec l’éditeur Ankama ils ont sorti en 2013 le second art-book de Mathieu Lauffray. Plus qu’un simple recueil d’illustration, il s’agit d’une somme rassemblant une très grande quantité d’illustrations et de photos de travail de l’artiste et de plusieurs entretiens avec ses collaborateurs, scénaristes BD ou réalisateurs de cinéma pour l’essentiel. C’est assez biographique et permet comme rarement d’entrer dans l’intimité artistique d’un grand illustrateur peu médiatique.

Résultat de recherche d'images pour L’ouvrage de 240 page est de fabrication particulièrement réussie: format carré, signet tissu, couverture épaisse, illustration de couverture et de quatrième très belles. La maquette générale est élégante et l’on pardonnera les économies de relecture qui ont laissé un certain nombre de coquilles dans les textes. L’ouvrage s’ouvre sur une court bio avec photo de l’auteur puis une double page où il détaille la naissance de sa passion pour le graphisme et les imaginaires (tiens, c’est les deux axes de ce blog ça tombe bien !) avec couvertures d’albums et affiches de films influents. Ensuite le bouquin est découpé en 8 sections, dont quatre vouées à la BD et une importante sur le cinéma.

Certains sujets vont toucher vos lecteurs à tous les coups et l’on va vous aimer des les avoir choisis. C’est l’image que l’on aime, pas sa forme. […]C’est ce tiraillement entre le choix du sujet et le goût pour l’expression du sensible qui va faire exister artistiquement.

Lauffray est un visionnaire, dans le sens qu’il conçoit son travail comme des visions graphiques et artistiques d’autres mondes. Certains grand illustrateurs représentent et sont bons pour cela. Ce qui intéresse Lauffray c’est l’idée mystérieuse, inquiétante (il est fondamentalement un auteur « fantastique » en cela) et épique qu’il y a en toute forme. Il recherche le voyage et l’inconnu vaguement inquiétant… Image associéeD’une montagne il fait un pic dantesque hérissé de formes cyclopéennes impossibles (comme dans sa BD Prophet), d’un passant d’une nuit nocturne il fait une forme encapuchonnée qui vous invite à imaginer en quelle grotte de pirates il se terre… Ses références sont éclectiques mais reviennent aux illustrateurs figuratifs d’aventure et aux écrivains qui ont conté les explorations, de Frazetta, Otomo, Druillet à Dumas, Kipling et bien sur Jules Verne. Les illustrations (notamment réalisées pour les projets avortés de films de Christophe Ganz Némo et Lord of the Apes laissent un terrible sentiment de gâchis tant ces images sont évocatrices, vivantes, puissantes… Personnellement beaucoup d’images m’ont donné envie de me précipiter regarder le film pour lequel elles ont été faites.

Résultat de recherche d'images pour Ce livre est un moyen de partage de sa réflexion pour Mathieu Lauffray. L’homme est un vrai intellectuel, réfléchissante et conceptualisant son art. A ce titre, pour qui aime le graphisme, rarement un illustrateur fantastique a pu ainsi expliquer sa vision de l’objet graphique, de ses thèmes, de sa forme. Tout ceci est absolument passionnant, absolument pas intello ni conceptuel. C’est un vrai artiste expliquant son art, propos appuyés par un nombre incalculable d’images souvent inédites.

Mon travail c’est de conserver l’attention du lecteur, de conserver tout le romantisme que l’on pourrait trouver dans une peinture et de le traduire en art séquentiel

L’ouvrage permet également d’entrer dans la conception des séries BD de l’auteur, Prophet, Long John Silver ou sa participation à la série Légion. Telles des pages de making of, cette partie nous offre des variations sur les techniques utilisées, des crayonnés préparatoires aux encrages et les peintures. Ce qui frappe c’est que chaque technique, chaque étape est magnifique, montrant le niveau technique de Lauffray… dont les albums finaux ne rendent à mon sens rarement toute la mesure (à ce titre Lauffray est réellement plus illustrateur qu’auteur de BD).

Pour ceux qui s’étonnent de la production BD relativement restreinte de Lauffray, cet ouvrage résoudra cette énigme: celui qui se dit illustrateur mais passionné de BD, touche à tout et en particulier au cinéma où il collabore depuis longtemps avec des réalisateurs français qui s’étonnent toujours qu’un tel talent ne se soit pas expatrié à Hollywood… Artiste romantique il privilégie les relations humaines et la confiance dans le travail. Dans cette grosse section abordant ses travaux sur le Pacte des Loups, Saint-Ange, 10.000 BC  et autres projets avortés de jeunes talents du cinéma français, ces réalisateurs sincèrement impressionnés par la discrétion et le talent de Mathieu Lauffray discutent longuement du fonctionnement du cinéma, du processus créatif de l’image, animée ou fixe et du rôle qu’apporte un directeur artistique dans le montage d’un film. C’est passionnant.

Je pourrais parler longtemps et décortiquer ce superbe ouvrage mais il faut bien s’arrêter. Si vous n’avez jamais acheté d’Art-book, si vous bavez devant les planches illustrant ce billet, si vous avez toujours voulu pénétrer dans l’atelier d’un illustrateur foncez, s’il ne vous faut qu’un ouvrage de ce type c’est celui-ci.

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Cinéma·Graphismes·La trouvaille du vendredi

La trouvaille du vendredi #15

La trouvaille+joaquimAdama, le monde des souffles.
Film de Simon Rouby (2015), 1h22.

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Il y a trop peu de cinéma d’animation sur ce blog alors je profite d’un visionnage avec ma fille pour proposer une Trouvaille du vendredi avec un film que j’attendais de voir depuis sa sortie et qui, clairement, m’a bluffé sur tous les plans!

Présenté en compétition officielle au festival du film d’animation d’Annecy 2015, ce premier long métrage du studio réunionnais (et oui!) Pipangaï (qui a sorti l’an dernier l’adaptation de la BD Zombillenium) est une véritable perle, peut-être mon film d’animation français préféré et qui mérite toute votre attention et montrer que l’originalité, la créativité peuvent réellement concurrencer sur le long terme la puissance marketing et financière des grosses productions.

En 1916, dans une vallée isolée d’Afrique, le frère d’Adama doit passer son rituel initiatique qui le rendra adulte, mais au dernier moment un incident empêche ce « passage ». Hanté selon l’ancien du village, il va fuir cette société ancestrale étouffante pour s’engager dans l’armée engagée dans cette lointaine guerre mondiale. Adama va se lancer à sa poursuite en promettant de le ramener. Il s’engage dans une odyssée initiatique qui l’emmènera jusque dans les tranchées de Verdun, au son des souffles et des musiques des marabouts…

Résultat de recherche d'images pour "adama film"Si la tradition de l’animation française n’est plus à prouver, les bons succès critiques peinent souvent à trouver une rentabilité commerciale. Souvent la qualité technique bute sur des rythmes lents, parfois soporifiques et surtout sur un impensé: le fait de faire des films d’animation destinés aux jeunes. Or les grands films d’animation sont construits en direction de tous les publics. Et c’est bien selon moi la principale force d’Adama: le prisme de l’enfant est celui qui accrochera l’intérêt des jeunes spectateurs mais le scénario (comme un certain Tombeau des Lucioles) ne vise pas la jeunesse.

Image associéeCar les auteurs visent plutôt un esprit mythologique, une confrontation subtile entre un univers magique de l’Afrique traditionnelle et un monde moderne rationalisé. Cela coïncide avec un âge, la préadolescence, où l’univers enfantin naïf rencontre celui dur et réaliste, des adultes (le personnage de Maximin). Le propos avance naturellement, sans insistance, jusqu’à un épilogue incroyablement juste laissant le spectateur décider de son interprétation. A mesure que l’on s’enfonce dans le no-mans-land de Verdun, les séquences irréelles se multiplient, faisant s’interroger sur la réalité de ce que vit Adama. Mais les auteurs n’en oublient pas leur trame: celle d’une quête initiatique d’Adama et de son frère quittant un paradis perdu pour l’enfer. Les thèmes sont nombreux mais là encore laissant le spectateur choisir lesquels importent le plus (de l’enrôlement de force des tirailleurs, à la vie de débrouille et les bidonvilles dans le Paris de 1916 ou l’archaïsme des sociétés patriarcales africaines,…). En 1h20 la densité scénaristique est réellement impressionnante.

Résultat de recherche d'images pour "adama film"Sur le plan technique les auteurs ne sont pas allés dans la facilité: afin de donner un aspect matériel, de sculptures artisanales à leurs images, ils ont conçu des modèles en terre qu’ils ont modélisés par ordinateur, donnant un mélange étonnant entre de l’animation stop-motion, l’animation 2D classique (pour certains décors) et animation 3D. Ils ont en outre expérimenté certains effets très esthétiques en utilisant des ferro-fluides pour composer les explosions de Verdun. Un making of en plusieurs parties montre cette conception passionnante:

ADAMA MAKING OF OPUS 1 : SCULPTURES from Naia Productions on Vimeo.

 

ADAMA MAKING OF OPUS 2 : DECORS & FERROFLUIDES from Naia Productions on Vimeo.

Le rendu visuel est totalement unique et agrémenté de plans au sens esthétique indéniable. Cette mise en scène (qui laisse dubitatif sur le fait qu’il s’agisse d’un premier long métrage pour l’essentiel de l’équipe) est agrémentée d’une musique (fortement teintée de sonorités africaines) très agréable et parfaitement adaptée aux images et aux moments de l’histoire. Du rythme aux doublages, tout est parfaitement pensé dans ce film dont on cherche les défauts.

Permettant d’aborder deux sujets rarement liés et au traitement pas du tout superficiel (la guerre et la rencontre modernité/traditions), intéressant réellement tous les ages (je préconiserais à partir de 8 ans), Adama est une perle qui mérite vraiment une reconnaissance publique et que je vous invite très vivement à découvrir.

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